JAN HENDRIX diseña ESTAMPA

Como todos los años en torno a estas fechas ESTAMPA, el salón internacional del grabado y las ediciones de arte contemporáneo que cada otoño se celebra en Madrid, presenta la que será su imagen durante el próximo evento. En esta ocasión, el artista seleccionado para realizarla ha sido JAN HENDRIX (Maasbre, 1949), un creador holandés afincado en México cuya obra gráfica goza de gran reconocimiento a nivel internacional. Además de diseñar el cartel del evento, igual que todos los años, podrá verse el trabajo del artista dentro de una pequeña exposición individual en la feria, donde podremos disfrutar de su producción más reciente.

La obra del holandés se caracteriza por su profundo estudio y pasión por la naturaleza. Sus imagenes parten del tradicional género del paisaje, pero Hendrix acota los detalles de troncos, ramas, tallos o flores, mostrándonos un universo vegetal practicamente abstracto. La pieza seleccionada como imagen oficial de la feria nos muestra en detalle varios tallos espinosos, cuya armónica disposición llama en seguida la atención por su delicada y cruda belleza.

Una Exposición: JEAN MICHEL BASQUIAT

La Fundación Marcelino Botín de Santander y la Fondazione Memmo de Roma organizan una muestra sobre Jean Michel Basquiat, un artista de talento excepcional, con obras cercanas al graffiti, que triunfó en Nueva York con veintipocos años de la mano de Andy Warhol.

En total son 43 obras procedentes de Barcelona, Alemania, Bélgica, Francia, Roma, Austria, Suiza y Estados Unidos, entre ellas algunas realizadas en colaboración con Warhol y Francesco Clemente. Cerca de una veintena no han sido expuestas antes al público. muestra viajará a Roma en otoño.



Para Basquiat, un accidente cuanto tenía siete años, seguido por el estudio con gran interés de la Anatomía de Grey, dieron forma a una visión de la personalidad humana como algo fracturado y fragmentado. Esta fragmentación también hace referencia a la alienación experimentada por un hombre negro en la sociedad racista que más tarde lo acogería con tanta rapidez como lo iba a rechazar unos cuantos años después, cuando su drogadicción lo convirtió en persona non grata entre la mayoría de los galeristas y coleccionistas, como explica el comisario Olvier Berggruen. 


La sobrecogedora presencia de criaturas semejantes a zombis que parecen regresar de la muerte, los restos de escritura, a veces borrada y otras veces grabada en la tela con fuerza desigual, afirman la particular situación de Basquiat al intentar superar el abismo que existe entre la fugacidad de la vida y la reafirmación de la misma a través del gesto del pintor. 



Jean-Michel Basquiat (Nueva York 1960-1988) creció en un entorno familiar desgarrado, abandono pronto la escuela y ya en 1977 se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del Soho. Sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo SAMO, siglas de same old shit, con el que firmaban cuando pintaban sus tags y graffitis con crípticos mensajes, fue decisivo en su vida.

La primera exhibición de Jean-Michel Basquiat fue en 1980, tuvo lugar en un almacén abandonado de Nueva York y mostró obras de arte hechas por artistas del punk y graffiti. Las obras del niño salvaje fueron pronto valoradas por los coleccionistas, pero su reconocimiento fue aun mayor cuando trabajó con Andy Warhol en 1983 - 1984. Falleció con 27años por una sobredosis de heroína.

THE MAIL ON SUNDAY revela la supuesta identidad de BANKSY

Hoy empezamos la semana con un poco de sensacionalismo. No sé si debemos creer estas historias que tan a menudo aparecen en los medios de comunicación, pero por si acaso, aquí os reproduzco la información que recoge el diario El Mundo.

El anonimato y misterio en el que ha vivido hasta ahora el más famoso grafitero del mundo, Banksy, parece que se ha acabado. Robin Gunningham, de 34 años, es Banksy. Banksy es Robin Gunningham.

Así lo ha desvelado el diario británico “The Mail On Sunday”. Al parecer y, según asegura el periódico, han podido identificar al artista del spray a través de una fotografía tomada por Peter Dean Rickards hace cuatro años en Jamaica, en la que aparece Banksy arrodillado frente a una pared con un spray. La imagen apareció en Internet y en el diario The Evening Standard en 2004.

En aquel momento el agente del artista, Steve Lazarides, aseguró que el hombre de la imagen no era su cliente, aunque Colin Saysell, un agente de la policía que ha seguido durante años a Banksy, afirmó que la imagen es legítima. Ahora, la portavoz del artista ni confirma ni desmiente. "Recibimos millones de informaciones de este tipo. "Diré lo que siempre digo: nunca confirmo o niego estas historias", declaró a la BBC.

Aún así, el diario británico insiste y cita incluso los testimonios de antiguos compañeros de colegio del grafitero que le reconocen como Robin Gunningham. Scott Nurse, que fue al mismo colegio que Gunningham, la escuela Bristol Cathedral, asegura que su compañero tenía "un gran talento para el arte". "No me sorprendería nada que fuera Banksy", afirma. Mientras, Luke Egan, uno de los artistas que ha expuesto con Banksy, al principio negó conocer a Gunningham, pero más tarde reveló que compartió piso durante algún tiempo con él. Además, cuando fue preguntado si Robin era Banksy dijo: "En aquel momento no lo era".

En noviembre de 2007, el artista fue pillado 'in fraganti' por la cámara de un móvil de un transeúnte. El único dato certero que se conoce sobre su biografía es que nació en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974. A menudo se ha rumoreado con que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, y que sus padres son también artistas, aunque nadie ha conseguido confirmar dicha información.

En las Fotos: Robin Gunningham en Jamaica hace cuatro años y en 1989, cuando era estudiante en el Bristol Cathedral School.

NICK WALKER

Lo que son las cosas; navegando por la web de RAZORAPPLE, me he enterado de que las fotos que subí hace poco sobre unos stencils en Williamsburg, Brooklyn, pertenecen a una obra del genial NICK WALKER. Este jovencísimo artista britanico lleva una carrera meteórica y al igual que sus compatriotas Banksy o Adam Neate, ya ha visto sus obras en las subastas de Sotteby’s, compartiendo espacio con Picassos y Monets. En concreto, el pasado mes de Febrero una de sus piezas alcanzo los 72.000 euros en una subasta londinense.

Como el propio Nick dice: ”En 1992 comencé a combinar plantillas con mi trabajo hecho a mano y de ese modo combinar y mezclar la imaginería más fotográfica con las raíces de los estilos de graffiti más tradicionales. Las plantillas introducen un elemento de impacto en mi trabajo. La aparición de plantillas me permite tomar imágenes de otros sitios y trasladarlas y recrearlas en otras superficies. Trató también de añadir un elemento humorístico e ironía a mis pinturas para dar más alegría y relieve a lo que pinto en los muros. Pintar es una manera de escapar, de volar, y espero que quien lo vea sienta lo mismo, es lo que trato de conseguir y es por lo que pinto”.

Os adjunto la foto del graffity de Williamsburg, pero bien hecha, gracias a RFullerRD. Así como un par de muestras de los stencils de este gran artista.

MANOLO VALDES en las calles de ZARAGOZA

Diecisiete esculturas monumentales, que recrean imágenes de la historia del arte como la Dama de Elche o las Meninas de Velázquez, componen una exposición al aire libre del artista valenciano Manolo Valdés, que se puede contemplar en el paseo de Independencia de Zaragoza.

La muestra, titulada "Arte en la calle. Manolo Valdés en Zaragoza. Esculturas monumentales", ha sido organizada con motivo de la celebración de la Exposición Internacional y estará instalada en la capital aragonesa hasta el 28 de agosto.

Se trata de diecisiete grandes piezas elaboradas en hierro y bronce, cuatro de ellas moldeadas expresamente por Manolo Valdés con motivo de esta exposición, que luego viajará a otras ciudades españolas. En ella, el artista toma prestados diferentes temas de la historia del arte, como la Dama de Elche, la reina Mariana y la infanta Margarita inmortalizadas por Velázquez, o la Gran Odalisca de Ingres, para recrearlos libremente en tres dimensiones.

Según dijo la consejera de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Zaragoza, Pilar Alcober, se trata de una exposición de "gran interés cultural" que cuenta con la ventaja de que podrá ser admirada por miles de personas sin la necesidad de atravesar la "barrera" que a veces representan las puertas de los museos. Precisamente, la muestra forma parte de una nueva línea de exposiciones iniciada por la Obra Social de La Caixa con el objetivo de aproximar las creaciones de los artistas contemporáneos al público que no tiene costumbre de visitar museos y galerías de arte.

Manolo Valdés (Valencia, 1942), residente en Nueva York desde hace más de una década, es considerado como uno de los principales artistas españoles en el panorama internacional actual. En los últimos años ha moldeado obras de gran formato para ciudades como Madrid, Valencia o Biarritz, y ha realizado exposiciones de escultura monumental en varios países de América y Europa. Su obra está presente en las colecciones más prestigiosas, como el Museo Reina Sofía y la Fundación Juan March, en Madrid; la Chase Manhattan Bank Foundation de Nueva York; el Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, en París; el Kunstmuseum de Berlín, o el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, en México.

Gracias, Jesus, por las fotos!!

Premios ALTOIDS en el NEW MUSEUM

ALTOIDS es una compañía americana de caramelos de menta (y de canela)… bastante buenos, por cierto. Pero otro de los intereses de esta conocida marca, es el interés por el arte emergente Americano. Su propuesta del primer Premio Altoids es de lo mas interesante. La organizan en forma de bienal y con ella, eligen a cuatro artistas jóvenes americanos, ofreciéndoles un jugoso premio en metálico y una exposición en el NEW MUSEUM de Nueva York, como primer paso en su proyección internacional.

Lo mejor de todo, para mi gusto, es el proceso de selección de dichos artistas. En el año 2007, se le pidió a diez artistas ya consagrados, que eligieran a cinco artistas (cada uno). Estos 46 nominados fueron estudiados por un jurado compuesto por Paul McCarthy, Cindy Sherman y Rirkrit Tiravanija, famosos no solo por sus carreras artísticas (bastante rompedoras), si no también por su constante ayuda a los nuevos valores.

Finalmente, los ganadores del Altoids Award 2008 han sido: Ei Arakawa, Lauren Kelley, Michael Patterson-Carver, y Michael Stickrod. Estos artistas son realmente, narradores de historias; exploran las relaciones humanas y las formas en que la gente convive basándose en conceptos como la identidad, colaboración, ataduras familiares o política.

Estos cuatro artistas usan medios muy diferentes (video, instalación, dibujo y animación), y cuando una exposición une el trabajo de todos ellos, el espectador puede contemplar un buen retrato del arte americano contemporáneo y también, una compleja e inquietante visión de lo que es la propia América de hoy.

Al margen de todo esto, deciros que el New Museum es una institucion fabulosa y que tiene como sede, uno de los edificios mas impresionantes de todo Nueva York; lo podeis ver en la foto.

Una Exposición: LOUISE BOURGEOIS

Una retrospectiva sobre la extensa carrera de Louise Bourgeois, considerada como una de las artistas más importantes de la actualidad, se exhibe hasta el próximo 28 de septiembre en el museo Guggenheim de Nueva York.


Se trata de una muestra que recorre todos los aspectos creativos de la nonagenaria artista francesa, con 150 obras que incluyen pinturas, trabajos en papel, madera y cristal, murales hechos con objetos recogidos de la calle y esculturas de distintos materiales, como mármol, metal, plástico y látex.


Nacida en París en 1911, desde muy pequeña Bourgeois ayudó a sus padres en el negocio de restauración de tapices que regentaban e inició sus estudios artísticos en la capital francesa con artistas de la talla del pintor Fernand Léger, antes de emigrar a Nueva York en 1938, tras su boda con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater.

Desde la Gran Manzana ha permanecido a la vanguardia de las artes visuales durante siete décadas, configurando una singular visión creativa en la que se aprecian toques del surrealismo, expresionismo, postminimalismo y el arte abstracto.


Siguiendo la estructura en espiral que caracteriza al museo neoyorquino, el espectador pasa por las diferentes obras, dispuestas en orden cronológico, entre las que destacan una escultura en forma de araña gigante (2003) (que estuvo expuesta en el Guggenheim de Bilbao) y otra que representa una escena de canibalismo, La destrucción del padre (1974).

La parte final del recorrido está dedicada a las famosas Celdas que la artista comenzó a crear en la década de los noventa: obras en forma de pequeñas habitaciones cercadas en las que se colocan tanto objetos de Bourgeois, como cosas recogidas de la calle.

Para completar la muestra retrospectiva, el museo ha organizado una exposición de fotografías y diarios de los archivos privados de la artista, que reflejan su historia personal desde su infancia en la Francia del periodo en entreguerras hasta su actual día a día en Nueva York.

Via: El Cultural

RICAHD DUPONT en el LEVER HOUSE

Vía el blog TodoNY, me he enterado de esta instalación en el edificio The Lever House, situado en Park Avenue (NY). No sólo es uno de los edificios más emblemáticos de Nueva York, sino que también alberga en su planta baja uno de los espacios dedicados al arte moderno más innovadores de la ciudad. Allí han expuesto nombres como Damien Hirst o Tom Sachs. Lo mejor es que es casi un espacio publico, ya que se trata de una vitrina en la que artistas contemporaneos montan algún tipo de instalación a la vista de todo el que pasa por la calle.

Actualmente se puede ver el montaje de Richard Dupont, que consiste en unas figuras humanas distorsionadas, que se pueden ver desde varias perspectivas. Muy interesante.

Una Foto: Brooklyn

Fotos de stencils, realizadas en Williamsburg, Brooklyn (NY)

PAINTINGCANS

Gracias al blog de SLEEPINGCAT, me he enterado de una convocatoria de lo mas interesante. Se trata del PAINTINGCANS.

El colectivo madrileño Confusion Group, formado por Eduardo Bertone, Martín Bochicchio, Rafael Bertone, Baltazar Rodes, Nuria Gil y Simón Rodes, nos propone un llamativo proyecto que fusiona el arte y el reciclaje de latas de bebida. Bajo el titulo Paintingcans, esta iniciativa pretende dotar de una vida más allá del consumo a las latas que a diario se desechan en todo el mundo, utilizándola como un lienzo en blanco en el que desarrollar nuestra creatividad, sean cuales sean nuestras habilidades o tendencias. De momento, ya han creado un blog con las bases de participación y algunas de sus propias latas personalizadas, que podéis ver AQUÍ.

La fecha límite para envíos es el 31 de octubre de 2.008, y tras realizar una selección de los mejores trabajos se publicará un libro que sin duda será muy interesante, además de una exposición con todas las latas participantes.

Una Exposición: TRESPASS ALLIANCE: INSIDE URBAN ART

La Galería ANDIPA de Londres, se une a la corriente del street art con una fabulosa exposición que reúne (hasta el 26 de Julio) pinturas, esculturas e instalaciones de varios de los mas influyentes artistas en este genero.

Bajo el título TRESPASS ALLIANCE: INSIDE URBAN ART” la galería muestra las obras de D*Face (UK), Faile (Canada, USA), Jose Parla (USA), Swoon (USA) y WK Interact (USA/France), la cerámica trasgresora de Charles Krafft (USA) y piezas de los nuevos talentos Nick Georgiou (USA), Slinkachu (UK), Beejoir (UK) y Laura Keeble (UK).

Esta claro que el street art esta llamando la atención de la critica y del publico a lo largo y ancho del planeta. El interés por esta expresión artística urbana no para de crecer, y junto a dicho interés, el reconocimiento tanto a nivel artístico como ideológico, que se manifiesta en una clara denuncia de aspecto social y político.

Esta apreciación creciente sobre este medio de expresión se ve de manifiesto en las cada vez mas numerosas subastas que ya alcanzan precios astronómicos en lugares tan “tradicionales” como Sotteby’s o Christies. También, el hecho de que una institución como la Tate Gallery de Londres abra sus puertas al street art, nos da pruebas evidentes del éxito y afianzamiento de este genero.

Una Exposición: RAY CAESAR - In The Garden Of Moonlight

Ayer día 28, la galería JONATHAN LEVINE de Nueva York inauguro una nueva exposición de RAY CAESAR bajo el titulo In The Garden Of Moonlight (en el Jardín de la Luz de Luna) que permanecerá abierta hasta el 26 de Julio. Esta es ya la tercera exposición de este artista británico afincado en Toronto que realiza en la renombrada galería.

In The garden of Moonlight es una colección de imágenes de gran tamaño, tan preciosas como bizarras, con el sello único de este increíble artista. Sus composiciones se basan en cautivadoras figuras que parecen muñecos, pero siempre representados con alguna anormalidad física, vestidos en trajes que combinan pasado y futuro y todo ello, fusionado en extraños y recargados ambientes que surgen de la increíble imaginación de Caesar. Hablamos de obras que combinan a la perfeccion la inocencia de la infancia y las verdades mas oscuras de la edad adulta.

Lo mas curioso de la producción de Caesar es probablemente el medio artístico que utiliza para representar ese mundo interior que posee. Las obras, que aparentemente parecen pinturas, están creadas con la base de un programa de ordenador que permite hacer creaciones en tres dimensiones (Maya), sobre las cuales aplica dibujo, pintura, collage, escultura y mucho mas, para recrear a la perfección esas imágenes que nacen en su propio subconsciente.

No cabe duda que su biografía ofrece datos reveladores que nos ayudan a entender la razón de este extraño y complejo mundo interior de Ray Caesar. Nacido en Londres en 1958, pronto cambio su ciudad de origen por Toronto. Es en esta tranquila y placida ciudad canadiense, donde comenzó a trabajar en el departamento de fotografía y arte del hospital infantil, documentando todo tipo de abusos infantiles, enfermedades, reconstrucciones quirúrgicas, patologías etc. Si a este hecho añadimos una gran fascinación por los grandes surrealistas como Frida Kahlo, Salvador Dali o Paul Cadmus, nos acercamos un poco mas a este mundo onírico e insólito del artista.

Mini Vacaciones

... bueno... porque me lo he ganado, me voy de mini vacaciones. Estare fuera de la ciudad hasta el proximo domingo. Os dejo aqui una foto de a donde voy y os veo a todos el proximo lunes!!

La caja DÉJAME-EN-PAZ

No se si calificarlo como arte, pero desde luego me parece una idea brillante precisamente por lo estúpido y absurdo de su concepto.

Se trata de la Leave Me Alone Box (la caja de dejame en paz). Su creador, un tal Michael, explica en su WEB de donde surgió la idea.

Todo parte de la idea de Claude Shannon, un ingeniero con mucho sentido del humor que, junto a Marvin Minsky, creo una maquina llamada la “Ultimate Machina”. Esta maquina, se componía de una caja con un interruptor. Cundo el interruptor era accionado, una mano salía del interior de la maquina para apagar el interruptor.

Después de leer el articulo sobre esta absurda maquina, Michael, decidió crear su propia versión y poner una web en Internet. El asunto ha sido todo un éxito con mas de 600.000 visitas.

Una Exposición: DETALLES INVISIBLES, DE PABLO PÉREZ-MÍNGUEZ

La exposición que se exhibe estos días en el Museo de América, es una retrospectiva de la obra de los últimos cuarenta años de Pérez-Mínguez organizada con motivo del Premio Nacional de Fotografía otorgado al artista en el 2006.

Pablo Pérez-Mínguez, el fotógrafo que inmortalizó La Movida, selecciona las imágenes más desconocidas de su trabajo de los últimos 40 años. La muestra se enmarca dentro de las exposiciones invitadas de la sección oficial de PHotoEspaña 2008.

Pablo Pérez-Mínguez realizó en los años ochenta, una gran cantidad de retratos de famosos, personajes del Madrid del momento que se han convertido ya en históricos. Una década después, se convierte en precursor de los llamados foto-textos, en los que las palabras empiezan a ocupar un lugar relevante en sus composiciones.

Detalles Invisibles desvela la actitud del autor ante el hecho fotográfico: sus trabajos, propuestas conceptuales llenas de guiños dadaístas y mensajes subliminales, defienden que la realidad sólo puede ser leída a través de los múltiples detalles que componen su sentido. El artista juega con lo sencillo y lo rebuscado, la frivolidad y la seriedad, el automatismo y la reflexión, basándose en tres principios: libertad, naturalidad y sentido del humor.

Pablo Pérez-Mínguez (Madrid, 1947) ha sido miembro fundador de la revista Nueva Lente (1971), además de director artístico del Photocentro y la Photogalería de Madrid (1976). Ha expuesto en centros como el Museo Reina Sofía (1992), el Centro Cultural de la Villa (1984), el Museo de Arte Contemporáneo (1985) o el Círculo de Bellas Artes (1986).