Una Exposición: CAMILLE ROSE GARCIA

La Galería JONATHAN LeVINE de Nueva York, presenta estos días y hasta el 4 de Octubre, la exposición “Ambient Somnambulants”, de CAMILLE ROSE GARCIA. Es la segunda vez que esta artista californiana (Los Ángeles, 1970) expone su obra en esta galería.

Muy cercana al nuevo Pop que bebe de los tatuajes, el comic y las oscuras imágenes de los cuentos de hadas, García presenta una colección cargada de mitología. Sus personajes, medio humanos, medio animales, se mueven por escenas psicodélicas llenas de color y purpurina que pueden representar la noche o el fondo marino. En este mundo mágico y tan estilizado, es sorprendente ver objetos cotidianos como píldoras o pastillas de colores. Según la propia artista, para denunciar el poder de la industria farmacéutica en nuestros días (¿?).

La exposición se completa con una muestra colectiva bastante interesante de pequeño formato. Un gran numero de pequeñas piezas de madera (143 en concreto) que puestas una tras otra, completan una gran obra. Una manera divertida de ver el trabajo de numerosos artistas con muy diferentes estilos y conceptos.

MAPI GIL y CARLOS GONZALEZ BOY en la galeria IGUAPOP

La gallería IGUAPOP de Barcelona presenta estos días, y hasta el sábado día 13, la exposición doble de MAPI GIL y CARLOS GONZALEZ BOY.

El desarrollo y, en general, la vida del ser humano se desenvuelve a través de sucesivas etapas que tienen características muy especiales. “Protect me” se centra en la infancia como fase de la aparición del pensamiento intuitivo (4-7 años) y el egocentrismo. Es un periodo donde predomina la fantasía y el juego, por lo que al infante le gustan los cuentos, fábulas y leyendas. Mediante su exaltada fantasía dota de vida a los objetos y se crea un mundo psicológico especial. Por otro lado los niños son contenedores libres, pero no pueden decidir voluntariamente su educación. La infancia es pués un periodo del ser humano frágil, vulnerable y moldeable por el mundo de los adultos que le rodean.
En “Protect me” se ha confecciado vestimenta basada en piezas de círculos primarios unidos entre sí por botones automáticos que permiten ir construyendo la indumentaria. El material utilizado; hule y fieltro, también hace referencia al carácter protector del proyecto. El color blanco combinado con rosas y rojos saturados dominan la colección y simbolizan pureza y claridad. En la representación gráfica; óleo y lápiz sobre madera, las figuras muestran diferentes looks en relación con personajes animados o ficticios y tienen por título frases típicas utilizadas por niños.
En los fondos aparecen estampados superpuestos y semitransparentes que crean un entorno confuso que indican un mundo por descubrir a medio camino entre el orden y el caos, el ser y el parecer. 


Carlos González Boy no limita su producción a una sola línea temática o plástica, sino que la concibe como un proceso abierto en contínuo desarrollo. 
Actualmente su producción gira entorno a un interés por el espacio público, por la ciudad. Este interés se ha ido acrecentando notablemente desde que se mudó a Barcelona, donde está latente el conflicto entre ciudadano y ciudad, individuo y entorno. Carlos estudia la relación que existe entre el individuo y su entorno. ¿Quién construye a quién?, ¿Qué papel tiene cada uno en la vida del otro? 
Una constante en su trabajo es la ironía, la burla y, en ocasiones, hasta lo grotesco. En sus trabajos recientes esto se manifiesta a través de la apropiación entendida de diferentes maneras: reproduciendo escritos que encuentra por el territorio urbano, “marcando” este territorio, o descomponiendo los muros en píxeles introduciendo de este modo lo digital como un terreno más de acción. 
La exposición incluirá obras de las series "Pintadas pintadas (o repintadas)", "Marcando Territorio", "Despixelización" y "Es meu”.

Una lengua de 50.000 dolares

El VICTORIA & ALBERT MUSEUM (V&A) de Londres ha adquirido en una subasta, por más de £50,000, la "lengua" de los Rolling Stones. Se trata del diseño original del famoso logotipo, una imagen de 40 x 30 cm., realizada por John Pasche, que la banda utilizó por primera vez en su disco 'Sticky Fingers' (1971) y que es ya un icono del rock and roll.

Via MASDEARTE

UNA EXPOSICION: HANNES SCHMID

La Galería MITCHEL ALGUS de Nueva York, presenta desde ayer día 4 y hasta el próximo 11 de octubre una exposición del fotógrafo HANNES SCHMID (Suiza, 1946).

El trabajo de Schmid es de sobras conocido. Comenzó su carrera e los años 60 haciendo ensayos fotográficos y documentando viajes a África y a Asia. A finales de los 70 y principios de los 80, Schmid empezó a sobresalir como uno de los fotógrafos mas importantes dentro del mundo de la música, haciendo fotografías de iconos del momento: Roxy Music, Van Halen, Motorhead, AC/DC, ABBA, Kiss, The Who, the Police, Blondie… solía “vivir” con estas bandas durante largos periodos de tiempo y así, poder ofrecer imagines en el escenario, a la vez que creaba retratos mas íntimos de los artistas en plena carretera, en casa, de vacaciones, etc. Sus imagines llegaron a definir el look del rock de la época.

En los años 80 Schmid trabajo también para el mundo de la moda con gente como Armani, Kenzo o Benneton. Fue entonces cuando empezó a recibir premios como el mejor fotógrafo del año 1992 o el mejor fotógrafo de moda, en Paris, en 1988.

Fue a principios de los 90 cuando fue contratado por Leo Burnett, para crear el “hombre Marlboro”. Este trabajo para crear un icono tan puramente Americano duro 8 años, hasta que las leyes anti tabaco americanas hicieron que su trabajo ya no fuera necesitado.

A partir de esta fecha, Schmid ha ido realizando muy diferentes trabajos que incluyen imagines deportivas del mundo de la Formula 1, películas experimentales (Tribe Art) e incluso proyectos artísticos en los que recobra esas imagines de los cowboys que tanta fama le dieron.

Esta exposición supone la primera aparición de muchas de las imagines icónicas del mundo del rock así como de los cowboys ante el publico. Una ocasión de oro para acercarnos al trabajo de este genial fotógrafo.

NUART 2008

Mañana (4 de Septiembre) se inaugura el NUART 2008, en la ciudad Noruega de Stavanger. Este festival fue iniciado en el 2001 como plataforma internacional de artistas que operan de una forma diferente al tradicional sistema de galerías de arte (… o al menos, eso es lo que dice su web). Este increíble evento pretende crear un debate y una llamada de atención sobre el arte contemporáneo de las ciudades y la cultura de la calle en el siglo XXI.

Sin duda es uno de los eventos del año, ya que durante un mes, pondrá en acción un interesante programa cargado de documentales, películas, conciertos, cursos, debates y por supuesto, arte. Aunque el festival termina el 5 de Octubre, las exposiciones seguirán abiertas hasta Noviembre.

La plantilla de artistas participantes en este evento es de un nivel increíble: Blek Le Rat (FR), DFace (UK), Nick Walker (UK), Dotmasters (UK), Word To Mother (UK), Know Hope (ISR), Graffiti Research Lab (USA), Herakut (DE), Dolk (NO), Pobel (NO), Chris Stain (NO), Zeus (UK), Eine (UK), Sten & Lex (IT), Jimmy Cauty (UK). Tambien estar por ahí Tristan Manco, conocido autor de los libros “Stencil Graffiti”, “Street Logo’s” y “Graffiti Brasil”.

Si queréis mas información sobre este evento, podéis vistad su web AQUÍ.

RENE GAGNON

Supongo que a estas alturas ya sabréis la debilidad que siento por la obra de este magnifico artista Americano. Criado en Massachustts, Rene y sus amigos (Seek and One) fueron de los primeros en toda esa área, en adoptar las directrices del graffiti newyorkino. Casi desde el principio, y bajo el alias de SNO, sus habilidades con el spray le pusieron a la cabeza de todo este movimiento en el noreste Americano.

Desde este BLOG ya he comentado alguna que otra cosa sobre él. Pero revisando SU WEB he descubierto sus últimos trabajos y, como ni podía ser de otra manera, me han parecido fantásticos. Aquí os dejo unas cuantas muestras para que veais que no exagero al decir que es uno de los mejores artistas urbanos americanos del momento.

MOSSENGER de ANNA GARFORTH

Anna Garforth es una joven artista británica que une diseño e ilustración con revolucionarios conceptos sobre el street art. Su ultimo proyecto se llama “Mossenger” (juego de palabras entre Moss = musgo, y Messenger = mensajero), y consiste en crear graffiti que es biodegradable, natural y por si fuera poco, vivo, a base de musgo.

Este musgo es adherido a la pared con una especie de pegamento biodegradable, lo que hace que se mantenga hasta que empieza a crecer y literalmente, extiende la palabra por toda la pared.

Para saber mas sobre esta artista y sus proyectos, visitad SU WEB.

BANKSY EN ESTADOS UNIDOS

Hace varios días que toda la prensa recogía información sobre las nuevas piezas de Banksy en Nueva Orleans. Se trata de seis graffitis con los que Banksy ha querido hacer su propio comentario sobre la tragedia del Katrina (2005), de la que todavía esta ciudad esta pagando las consecuencias..

El Gobierno estadounidense ahogó bajo su propia negligencia a los habitantes de una ciudad que, tres años después de la inundación, aún luchan por recuperarse. Para recordarlo, Banksy ha optado por mezclar la poesía y el comentario social. En una de las nuevas creaciones que decoran desde esta semana las calles de Nueva Orleans, este inquietante artista ha dibujado a dos soldados de la Guardia Nacional saqueando una casa. En otra, un niño juega con una nevera que ondea en el aire como si fuera una cometa. Y en otra más, una niña se moja bajo un paraguas, estira la mano y comprueba que afuera no llueve.

Banksy, además, ha aprovechado, como ha hecho en otras ocasiones, para defender el arte del graffiti a través de su propia obra. Tres de los dibujos son una clara referencia a Fred Radtke, también conocido en Nueva Orleans como Gray Ghost (en inglés, el fantasma gris). Radke es el presidente de la organización Operation Clean Sweep Inc. Antigraffiti Task Force (Operación Barrido y Limpieza. Grupo Antigraffiti). Tan aplaudido como vapuleado, Radke se dedicó la pasada primavera a pintar de gris todos los graffitis que encontraba a su paso en esa ciudad.
Banksy ha optado por imaginarlo vestido de pintor de brocha gorda y armado de un rodillo borrando una enorme margarita amarilla.

Ayer sábado, le web de WOOSTER COLLECTIVE añadía un poco mas de información a este tour de Banksy por América al publicar una foto de una de las piezas del graffitero británico en una gasolinera abandonada de Birmingham, Alabama. Se trata de un miembro del Ku Klux Klan, ahorcado.

FLOATER de JEFF LADOUCEUR

“Floater” es el nombre de una enorme escultura hinchable, realizada por JEFF LADOUCEUR, para decorar la entrada de la Vancouver Art Gallery, a propósito de la exposición KRAZY! de anime, comic, video juegos y arte.

Jeff Ladouceur (Nanaimo, Canadá, 1975) es un artista que trabaja a medio camino entre Brooklyn y Vancouver. Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones (Paris, Los Ángeles, Toronto, Nueva York…) y en revistas de medio mundo. Normalmente, se dedica a la ilustración. Suele utilizar lápiz para realizar sus trabajos en los que aparecen tanto elefantes peludos montados encima de la gente, como nubes con forma humana que sienten y padecen.

UN ARTISTA: JOEL-PETER WITKIN

Joel-Peter Witkin, fotógrafo, nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York.

De padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconciliables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño; un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión usando las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó tras ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante, el cual había sido “arrancado” de la imágen.

Para ver mas imágenes de este peculiar artista, pincha en esta galería de ARTFORUM.

ESCULTURA de EVARISTO BELLOTTI

El Palacio de Cristal del Parque de El Retiro acoge desde el 18 de septiembre y hasta el 8 de diciembre, una exposición de Evaristo Bellotti (Algeciras, Cádiz 1955). Se trata de una instalación, “Escultura”, realizada en mármol blanco de Macael y agua que emerge del suelo y se proyecta en todas direcciones hasta perderse de vista. “Escultura” está constituida por una trama regular de losas de mármol blanco, que forman una sucesión de incisiones curvas en forma de S, y por unas depresiones generadas a partir de las curvas en las que se forman los charcos de agua. Es sobre estas superficies de mármol donde el agua se queda atrapada.

La instalación “Escultura” esta formada por 3.204 piezas de mármol y de agua cuyas medidas 3×100x33 cm abarcarán una superficie total de 1000 metros cuadrados y cubren la totalidad de la planta del Palacio de Cristal.

La reflexión de la luz sobre el agua y la propia evaporación convierten a esta escultura en una obra sujeta a los cambios de la luz y de la temperatura ambiente del Palacio de Cristal. Con los pies desnudos, el visitante tiene la oportunidad de pisar los charcos de agua y sentir las depresiones labradas en el mármol. Esa posibilidad de poder recorrer la superficie de la obra, hacen de esta “escultura” algo más que un objeto visual.

Evaristo Bellotti es escultor, pintor, dibujante y escritor. Desde que expusiera por primera vez dibujos y esculturas en Almagro en 1982, en la Galería Fúcares, ha mostrado su obra en numerosas galerías de arte de España, y del extranjero, (Estados Unidos, Alemania, Suiza, Italia…). Su obra forma parte de las colecciones, entre otros, del Museo Artium de Álava, del Centro Andaluz de Arte Moderno y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

A principios de lo años 80 emergió entre los escultores más sobresalientes del momento, con una obra en mármol blanco que tenia una fuerte influencia del arte griego y romano. La libertad en el uso de la cita, el nomadismo cultural y el referente arqueológico le inscribieron de lleno en la post-modernidad que venía a renovar los lenguajes de la escultura. En 1985 expuso en el programa “Currents” del ICA de Boston y dos años más tarde en la Galería Vijande de Madrid. Ese mismo año recibió una beca del Comité Conjunto Hispano Americano para residir en Nueva York, donde permaneció hasta el año 1991. Durante este periodo abordó la búsqueda de nuevos recursos para la escultura y su interés hacia las fuentes del arte barroco le llevaron al uso de la madera, el agua, el cristal, los metales y toda clase de materiales encontrados.

En el año 2001 la Diputación de Cádiz en colaboración con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo organizó una exposición retrospectiva (1990-2001) que pudo verse en Cádiz, Sevilla y el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Vía REVISTADEARTE

KATE "SIRENA" MOSS de MARC QUINN

Hoy he leído en ARTESPAIN acerca de una nueva escultura de MARC QUINN (Londres 1964) que representa a la modelo Kate Moss y está bañada en oro, con un peso de 50 kgr. Por lo visto, es la mayor escultura de oro realizada en la actualidad, similar a las que se hacían en el antiguo Egipto para los faraones. Esta Kate Moss de oro, llamada “Sirena”, costó 2 millones de euros. Una tontería si lo comparamos con los 20 millones que costo la “CALAVERA AZTECA” de Damien Hirst . Por lo visto esta de moda lo de gastarse una fortuna a la hora de crear una obra.

No es la primera vez que Quinn emplea la imagen de la modelo para crear una de sus controvertidas esculturas. En 2006, por ejemplo, hizo una bronce con la cabeza de Moss y el cuerpo de Buda, llamada “The Road to Enlightenment” (el camino hacia la iluminación/ilustración).

Lo curioso de todo esto es que, según informan otros posts en internet, la escultura estará en exhibición a partir del próximo 4 de Octubre, en el Museo Británico de Londres, constituyendo la primera muestra de arte contemporáneo que realiza el museo en 10 años. Se supone que en esa exhibición también participaran otros artistas como el ya citado Damien Hirst. Personalmente he visitado la WEB DEL MUSEO y no he encontrado nada acerca de este asunto, pero… la escultura de Quinn, como el resto de su obra, me parece fascinante.

SLINKACHU – LITTLE PEOPLE

La GALERIA COSH de Londres, presenta a partir de hoy la exposición GROUND ZERO: Little People in the City.

Se puede decir que SLINKACHU ha llevado el street art o arte urbano a una nueva escala (literal!). Sus instalaciones en espacios públicos reales, se componen de pequeñas figuras pintadas a mano, que recrean situaciones que bien podrían ocurrir en el mundo real. La exposición “Ground Zero” se compone de estas instalaciones y también fotografía.

Es una Buena muestra de nuestros propios miedos y ansiedades al vivir en un mundo que a veces va demasiado deprisa. Creo que es una Buena metáfora de lo pequeño que se puede sentir uno viviendo en una gran ciudad. Pero lo mejor es que Slinkachu siempre añade alguna pincelada de humor que crea una gran empatía con la obra.

Coincidiendo con la exposición, Slinkachu presenta su primer libro “Little people in the city”, con introducción de Will Self, que estará disponible a partir del 5 de Septiembre.

AUGUSTUS FREDERICK SHERMAN: Ellis Island Portraits 1905–1920 Exhibition

Ellis Island, en Nueva York, es un autentico símbolo de la inmigración en Estados Unidos, ya que a principios de siglo, fue el destino de todos los barcos que provenían de Europa, llenos de inmigrantes. Se calcula que, en total, fueron mas de doce millones de personas las que llegaron a este “Puerto” con la esperanza de comenzar una nueva y mejor vida.

La HISTORICAL SOCIETY de MINNESOTA expone estos días una fantástica muestra del fotógrafo Augustus Frederick Sherman, que trabajo en la isla de Ellis entre 1905 y 1920. Todavía con una notable inexperiencia, pero con grades dosis de talento, creo cientos de imagines que han servido de documento histórico de los llegados a Estados Unidos. Totalmente fascinado por los diferentes orígenes de los inmigrantes y sus diferencias culturales, Sherman creo una vasta serie de retratos que ofrece una fantástica perspectiva de lo que fue aquel periodo de la historia norteamericana.

La muestra se compone de 75 imágenes (en blanco y negro) que reflejan las diferentes etnias y la diversidad cultural del Nueva York de principios de siglo. En muchas ocasiones, Sherman animaba a los inmigrantes a abrir las maletas y ponerse los trajes típicos de sus respectivos países, o dar muestra de la riqueza cultural del mundo. Así, en la exposición, podemos ver auténticos pastores rumanos, polizones alemanes, las mujeres de Guadalupe, artistas de circo…

La muestra “Ellis Island Portraits 1905–1920
Exhibition” estará abierta hasta el 20 de septiembre

THE 2008 CHELSEA INTERNATIONAL FINE ART COMPETITION

Los artistas seleccionados en el concurso internacional de arte Chelsea 2008 representan no solo diferentes estilos creativos, si no también diferentes culturas o comunidades dependiendo de sus orígenes. Esto hace que cada pieza de esta exposición colectiva refleje un punto de vista diferente sobre el mundo que nos rodea.

La GALERIA AGORA nos ofrece así, una interesantísima exposición colectiva llena de nuevas y prometedoras figuras dentro del arte contemporáneo. Buen ejemplo de este alto nivel es el británico Stuart Bush y sus hiperrealistas imágenes urbanas, las inquietantes imagines de Caterina Pacialeo o las instalaciones a medio camino entre la pintura y la escultura de Ardan Özmenoğlu.

La exposición estará abierta hasta el próximo 4 de Septiembre. Para mas información, haz click AQUI.