Una Artista: LAURIE LIPTON

LAURIE LIPTON es una inquietante artista nacida en Nueva York, que ya empezó a dibujar cuando tenia solo cuatro años. Fue la primera persona en graduarse en la Universidad Carnegie-Mellon de Pensilvania con la licenciatura de Bellas Artes, especialidad dibujo (cum laude!!). Ha vivido en diferentes países como Holanda, Francia, Bélgica, Alemania… pero en 1986 se estableció en Londres, donde todavía reside.

En su trabajo, ha desarrollado un estilo hiperrealista basado en las pinturas religiosas de la escuela flamenca, aprendiendo de forma autodidacta la técnica y el estilo de los maestros del XVII, a base de copiar durante horas a Durero, Memling y Van Eyck. Goya o Diane Arbus son otras de sus influencias.

Se le ha llamado la “dibujante tétrica” o “ la artista del terror” entre otras joyas y es que su estilo es una mezcla de surrealismo, realismo, inocencia, terror… Sus imagines están protagonizadas por personajes monstruosos inmersos en mundos surrealistas de violencia, sexo y muerte. Y todo, realizado con una técnica impecable que solo usa tiza y lápiz sobre papel.

Esta incansable dibujante no para de hacer exposiciones por todo el mundo. Ahora mismo, colabora en la colectiva “In the Land of Retinal Delights: The Juxtapoz Factor"” En el Laguna Art Museum de Laguna Beach (California), en la también colectiva “Hi Fructose. Group Art Exhibition” en la Copronason Gallery de Santa Mónica (Califronia).

BOOK STORE de RED GROOMS

En 1979, Red Grooms creo una “librería” muy particular para el HUDSON RIVER MUSEUM. Pintura, escultura, instalación… cualquier apelativo es valido para esta gigantesca maqueta tridimensional pintada en colores chillones. Tras una larga y compleja restauración, el museo ha vuelto a instalar esta divertida pieza en su emplazamiento original.

La “librería” incorpora muchos de los temas clásicos de Groom; la relación del comercio y el arte, las clases sociales, la diversidad de la población de Nueva York y sobretodo, la tridimensionalidad del espacio, que hace que el espectador se meta, literalmente, dentro de las obras de este genial artista.

Un aspecto curioso de esta pieza es que se trata de una de las poquísimas en las que Groom utilizó figuras de vinilo. Dichas figuras están pintadas desde dentro, como si se tratara de vidrieras medievales, y luego rellenadas y cosidas, como si fueran las piezas de un taxidermista.

Nacido en 1937 en Nashville, Tennessee, este pintor estadounidense es conocido por sus exuberantes representaciones de la vida urbana dentro del Pop Art. Ya desde sus inicios en producciones teatrales, Grooms hizo de su arte un auténtico espectáculo. Los medios teatrales y cinematográficos, las escenografías y las actuaciones en vivo son tan importantes en Grooms como la pintura, la escultura, los pinceles, el cartón y el lienzo. Sus trabajos son en realidad, collages de materiales diversos que pasan desde la pura bidimensionalidad a las distintas posibilidades de las tres dimensiones, actuaciones en vivo, películas... Su imaginación inacabable va unida a una rica comprensión de la condición humana.

Red Grooms, que pertenece a la galería Marlborough, es la prueba de que el arte puede ser divertido.

Una exposición: 183 EXPOSICION ANUAL de la NATIONAL GALLERY

Aunque nunca he sido muy amigo de las academias y/o los academicismos, he de reconocer que la muestra que ofrece estos días la NATIONAL ACADEMY de Nueva York es bastante interesante. De carácter bienal, se trata de una buena visión del arte contemporáneo Americano que cuenta con más de 125 artistas.

Al tratarse de artistas emergentes y nuevos, la exposición comprende muy diferentes técnicas, ideas, formatos, etc. La selección de autores se hizo sobre un numero de unos cuatrocientos, y fue elegida por un comité de siete comisarios pertenecientes a esta Academia Nacional Americana. Entre otros, podemos encontrar obras de José Bedia, Leonardo Drew, Ming Fay, Maria Elena González, Steven Holl, David Reed, David Row, Sean Scully, James Wines, Betty Woodman…

Una Exposición: Las BLACK PAINTINGS de JEAN MIOTTE

JEAN MIOTTE es uno de esos artistas tratados de manera muy injusta por los medios de comunicación e incluso por las instituciones. Siendo uno de los padres del informalismo, su obra ha sido un referente para muchos artistas. Ahora, y hasta el 6 de Septiembre, el CHELSEA MUSEUM de Nueva York, ofrece una exposición con uno de los grupos de obras mas interesantes de este artista; sus Black paintings o Pinturas Negras.

La abstracción para Jean Miotte, nunca ha sido una exposición o una representación de su propio interior, como es frecuente en muchos artistas gestuales, si no todo lo contrario. Miotte pinta de manera ética y como un compromiso con el mundo que le rodea. Trata siempre de conectar con lo injusto de la vida de una manera comprometida y a veces política, para representar lo que le sugiere el entorno en el que vive. Así, sus pinturas negras, realizadas en dos tandas diferentes, corresponden a la cruel represión de Hungría por parte de las tropas Soviéticas en Budapest (1956) y a la visita de Miotte a Beirut, Líbano en donde fue testigo de las consecuencias de 20 años de guerra.

En ambos casos, Miotte abandona el rico cromatismo que le caracteriza para crear de manera monocromática en el primer caso, y de manera tremendamente gestual en el segundo. Estas dos formas de trabajo son las que explora esta exposición, reunida por el Mücszarnok Museum de Budapest como conmemoración de la Revolución de 1956 y que ya ha viajado por varios museos europeos.

Son obras de signos enérgicos, casi caligráficos, cuyos chorros líquidos y saltos de pintura sugieren movimiento a la vez que se alejan de la corporeidad. El baile, el movimiento y la música han sido, de hecho, influencias decisivas y constantes en su trabajo. Muchas veces, su manera de usar la pintura negra aplicada sobre superficies blancas o desnudas, nos recuerda a la caligrafía oriental.

Para más información sobre esta exposición, haz clic AQUÍ.

Una Exposición: CHARLES MATTON

La Galería FORUM de Nueva York ofrece estos días una interesante exposicion con once nuevas piezas del artista francés CHARLES MATTON.

Se trata de elaboradas y detalladas construcciones en cajas; dioramas tridimensional de espacios arquitectónicos interiores realizados en miniatura, con una precisión increíble.

Entre otras, se pueden ver las escenas de la biblioteca de James Joyce, los estudios de Edward Hopper o Lucian Freíd y algunas representaciones inventadas como la del “pianista tocando a Debussy” o el “estudio de un escultor clásico”..

La exposición estará abierta hasta el 6 de Septiembre, pero para mas información, podéis hacer clic AQUÍ.

Nuevos mosaicos en TIMES SQUARE

Últimamente Nueva York se esta esforzando en dar cabida a todo tipo de manifestaciones artísticas a lo largo y ancho de la ciudad. Aunque en esta ocasión, deberíamos decir a lo alto y bajo, ya que la ultima sorpresa se encuentra en la estación de metro de Times Square.

En total son 60 mosaicos bastante coloridos, que representan un enorme numero de personajes viviendo la famosa fiesta de Fin de Año tan típica en esta plaza de Nueva York. Casi todos los personajes que están bailando, con matasuegras, gorritos de fiesta, etc, se encuentran en las paredes del corredor que lleva de Times Square a la Terminal de Autobuses del Port Authority.

Su autora, JANE DICKSON (artista perteneciente a la Galería Marlborough), explicaba que lo que pretende es dar un poquito de alegría a todas las personas que van a trabajar por las mañanas, recorriendo a toda prisa estos túneles subterráneos. Dickson fue elegida entre mas de 30 artistas que presentaron sus propuestas para este proyecto de la MTA. En los últimos 20 años, la MTA ha instalado en Nueva York mas de 200 proyectos artísticos, entre os que se incluye el mural que Roy Lichtenstein hizo para la estación de Times Square.

"5 POINTZ", PARAISO DEL GRAFFITI

Que Nueva York está lleno de Graffiti no es ninguna noticia. Todos estamos acostumbrados a ver tags o piezas por las calles de mayor o menor valor. Pero lo que todavía mucha gente no sabe es que en un Rincon de Queens, se esconde un autentico paraíso para los artistas del spray. Buscando información sobre este “5 Pointz", que así se llama, me he topado con este fabuloso articulo escrito por PATRICIA YAGUE para SUBACUATICA. Esta tan bien explicado que, en lugar de reescribirlo, he decidido postearlo entero:

Este edificio recibe el nombre de 5 Pointz, nombre tomado en honor a los cinco “boroughs” de NYC: Manhattan, Bronx, Queens, Brooklyn y Staten Island. 5 Pointz empezó a funcionar bajo este nombre en el año 2001 cuando tomó cargo de su mantenimiento y gestión Jonathan Cohen, más conocido por Meres. No obstante la historia de este edificio se remonta unos cuantos años atrás, a mediados de los anos 90, cuando Pat DiLillo, encargado de eliminar Graffitis en los establecimientos que así se lo requerían, se dio cuenta de la perdida que suponía para el mundo del arte en general eliminar estas piezas de arte urbano. Así decidió pedir “prestadas” al dueño algunas de las fachadas cuya limpieza le había sido encomendada para permitir a los artistas del Graffiti poder terminar sus obras e incluso desarrollar proyectos que pudiesen ser conservados. De este modo los artistas adquirían espacios donde pintar y el edificio prestigio y publicidad al convertirse en uno de los centros principales de peregrinaje del mundo Graffiti en la ciudad. Nace así “The Phun Factory”, un proyecto que duró un total de 6 años, de 1994 a 2001, año en el que tras una disputa con el dueño del edificio, Pat DiLillo decide dar por terminado y cerrar un proyecto que llegó a recibir una media de 20 chavales por semana en invierno y de 100 a 150 en verano. Es en ese año cuando Meres toma el cargo y así se inician una serie de cambios. En primer lugar el espacio cambia de nombre y pasa a llamarse 5Pointz. La selección de artistas también se ve afectada; Meres, con 20 años pintando en las calles neoyorquinas, atrae a un tipo diferente de artistas y público que Pat, que no pertenecía a la escena artística sino que actuaba como mero mecenas.

Por otro lado Meres llega a diferentes acuerdos con el dueño del edificio para la adquisición total de todas las fachadas, de arriba a abajo, y no solo de una parte, dando así mayor cobijo a un mayor numero de artistas. Las cosas no son fáciles a pesar de todo, pues algunos de los propietarios de los loft interiores, artistas en su gran mayoría, sorprendentemente, están descontentos con las pintadas y empiezan una serie de disputas, con policía incluida, y por unos meses el proyecto vuelve a pararse. Después de 6 meses de parón, acuerdos y dolores de cabeza, Meres decide retomar el edificio y convertirlo en el proyecto que es hoy en día.

Y, ¿en qué consiste exactamente el proyecto 5Pointz? Entre otras cosas el proyecto reúne a una media de 15 a 20 chavales que cada domingo, de 12 a 3 de la tarde se acercan allí a aprender nuevas técnicas con el aerosol a la vez que ayudan a Meres a reconstruir todo el espacio, repintando fachadas, limpiando antiguas pinturas, vigilando la zona… La duración total de estas clases es de cuatro semanas y luego los chavales rotan y se unen al grupo nuevos alumnos. Los más aventajados tendrán un lugar especial en futuros proyectos con Meres. Por otra parte está la oportunidad de pintar allí para cualquiera que así lo solicite. Esa es una de las normas en este edificio, todo el mundo está invitado siempre y cuando pida permiso, si alguien empieza a pintar y no ha obtenido el consentimiento de Meres, el Graffiti será borrado inmediatamente.

En verano se organizan barbacoas y se instala un suelo de linóleo para bailar breakdance, y algunos de los más reconocidos escritores de Graffiti vienen a firmar libros y a estar con los chavales. Aquí viene gente de toda Nueva York y no solo de allí sino también de Holanda, Louisiana, California… Cada vez más este lugar va adquiriendo prestigio y revistas como Glamour o grandes firmas como H&M han empezado a introducir en sus páginas artículos sobre él o a incluirlo en sus catálogos como fondo. A su vez, 5Pointz se encuentra a apenas tres pasos del P.S.1, hermana rebelde del Museum of Modern Art (MoMA), donde van a parar las obras mas vanguardistas del famoso museo. 5Pointz está negociando organizar exposiciones con las obras más emblemáticas del edificio y así dar un mayor respaldo informativo a toda la gente que está contribuyendo a que este proyecto sea algo pionero y emblemático dentro de la escena Graffiti.

Fotos de FRAUDWASTEABUSE y OTHERTHINGS

CLOSE UPS de MARTIN SCHOELLER

Close Ups es un interesantísimo proyecto del fotógrafo alemán Martin Schoeller. Todas las semanas, Schoeller es llamado para retratar conocidas personalidades de muy diferentes ámbitos, desde Britney Spears al ex presidente Bill Clinton. En los últimos siete años de su vida, ha recopilado multitud de estos primerísimo planos, a los cuales llama “Big Heads” (Cabezas Grandes) y ahora, los presenta en un libro y también, en un hipnótico video de visionado gratuito.

La sucesión de estos primeros planos de gente conocida, mezclada con gente totalmente anónima, hace que el espectador juegue a tratar de adivinar lo que hay en la mente del personaje retratado. Un autentico ejercicio psicológico de exploración del hombre, que desvela ideas y sentimientos al ritmo de una repetitiva música.

Haz clic AQUÍ para ver el video.

Haz clic AQUÍ para saber mas sobre este genial fotógrafo.

Una Exposicion: NEW YORK TIMES; DOS PINTORAS, UNA CIUDAD

FOTOALEPH nos presenta, atraves de internet, la exposición de pinturas “New York times. Two painters, one city".

Dos pintoras, Jennifer Fairbanks (Kentucky) y Amaya Gurpide (Navarra), nos dan en forma de óleos e ilustraciones su visión de la ciudad de Nueva York, casi como si se tratara de dos impresionistas francesas de principios del s.XX. Y nos la dan mostrándonos a dúo un enfoque directo, fresco y muy personal de los paisajes y gentes con que se van topando por sus calles.

Son capturas de momentos efímeros, en una ciudad que cambia a diario. Conjunciones de luces, colores, rincones y ambientes que el azar quiso que se produjeran en cierto instante y que nunca volverán a repetirse en el caótico devenir de la gran ciudad. Pero ahí están. Ahí han quedado atrapados para siempre gracias a la aguda percepción plástica de estas dos jóvenes pero veteranas pintoras, para placer de nuestros ojos.

Para ver todo el conjunto de obras, click AQUI.

Una Foto: SPACE INVADER

Hace un par de semanas paseando en coche por Chelsea (NY), descubrí uno de esos deliciosos mosaicos del británico SPACE INVADER. La verdad es que es divertido eso de ir mirando por la ciudad en busca de alguno de estos personajes. Os animo a que hagáis lo mismo y si encontráis algún “invasor” mandadme la foto y la colgaré en este blog.

JAN HENDRIX diseña ESTAMPA

Como todos los años en torno a estas fechas ESTAMPA, el salón internacional del grabado y las ediciones de arte contemporáneo que cada otoño se celebra en Madrid, presenta la que será su imagen durante el próximo evento. En esta ocasión, el artista seleccionado para realizarla ha sido JAN HENDRIX (Maasbre, 1949), un creador holandés afincado en México cuya obra gráfica goza de gran reconocimiento a nivel internacional. Además de diseñar el cartel del evento, igual que todos los años, podrá verse el trabajo del artista dentro de una pequeña exposición individual en la feria, donde podremos disfrutar de su producción más reciente.

La obra del holandés se caracteriza por su profundo estudio y pasión por la naturaleza. Sus imagenes parten del tradicional género del paisaje, pero Hendrix acota los detalles de troncos, ramas, tallos o flores, mostrándonos un universo vegetal practicamente abstracto. La pieza seleccionada como imagen oficial de la feria nos muestra en detalle varios tallos espinosos, cuya armónica disposición llama en seguida la atención por su delicada y cruda belleza.

Una Exposición: JEAN MICHEL BASQUIAT

La Fundación Marcelino Botín de Santander y la Fondazione Memmo de Roma organizan una muestra sobre Jean Michel Basquiat, un artista de talento excepcional, con obras cercanas al graffiti, que triunfó en Nueva York con veintipocos años de la mano de Andy Warhol.

En total son 43 obras procedentes de Barcelona, Alemania, Bélgica, Francia, Roma, Austria, Suiza y Estados Unidos, entre ellas algunas realizadas en colaboración con Warhol y Francesco Clemente. Cerca de una veintena no han sido expuestas antes al público. muestra viajará a Roma en otoño.



Para Basquiat, un accidente cuanto tenía siete años, seguido por el estudio con gran interés de la Anatomía de Grey, dieron forma a una visión de la personalidad humana como algo fracturado y fragmentado. Esta fragmentación también hace referencia a la alienación experimentada por un hombre negro en la sociedad racista que más tarde lo acogería con tanta rapidez como lo iba a rechazar unos cuantos años después, cuando su drogadicción lo convirtió en persona non grata entre la mayoría de los galeristas y coleccionistas, como explica el comisario Olvier Berggruen. 


La sobrecogedora presencia de criaturas semejantes a zombis que parecen regresar de la muerte, los restos de escritura, a veces borrada y otras veces grabada en la tela con fuerza desigual, afirman la particular situación de Basquiat al intentar superar el abismo que existe entre la fugacidad de la vida y la reafirmación de la misma a través del gesto del pintor. 



Jean-Michel Basquiat (Nueva York 1960-1988) creció en un entorno familiar desgarrado, abandono pronto la escuela y ya en 1977 se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del Soho. Sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo SAMO, siglas de same old shit, con el que firmaban cuando pintaban sus tags y graffitis con crípticos mensajes, fue decisivo en su vida.

La primera exhibición de Jean-Michel Basquiat fue en 1980, tuvo lugar en un almacén abandonado de Nueva York y mostró obras de arte hechas por artistas del punk y graffiti. Las obras del niño salvaje fueron pronto valoradas por los coleccionistas, pero su reconocimiento fue aun mayor cuando trabajó con Andy Warhol en 1983 - 1984. Falleció con 27años por una sobredosis de heroína.

THE MAIL ON SUNDAY revela la supuesta identidad de BANKSY

Hoy empezamos la semana con un poco de sensacionalismo. No sé si debemos creer estas historias que tan a menudo aparecen en los medios de comunicación, pero por si acaso, aquí os reproduzco la información que recoge el diario El Mundo.

El anonimato y misterio en el que ha vivido hasta ahora el más famoso grafitero del mundo, Banksy, parece que se ha acabado. Robin Gunningham, de 34 años, es Banksy. Banksy es Robin Gunningham.

Así lo ha desvelado el diario británico “The Mail On Sunday”. Al parecer y, según asegura el periódico, han podido identificar al artista del spray a través de una fotografía tomada por Peter Dean Rickards hace cuatro años en Jamaica, en la que aparece Banksy arrodillado frente a una pared con un spray. La imagen apareció en Internet y en el diario The Evening Standard en 2004.

En aquel momento el agente del artista, Steve Lazarides, aseguró que el hombre de la imagen no era su cliente, aunque Colin Saysell, un agente de la policía que ha seguido durante años a Banksy, afirmó que la imagen es legítima. Ahora, la portavoz del artista ni confirma ni desmiente. "Recibimos millones de informaciones de este tipo. "Diré lo que siempre digo: nunca confirmo o niego estas historias", declaró a la BBC.

Aún así, el diario británico insiste y cita incluso los testimonios de antiguos compañeros de colegio del grafitero que le reconocen como Robin Gunningham. Scott Nurse, que fue al mismo colegio que Gunningham, la escuela Bristol Cathedral, asegura que su compañero tenía "un gran talento para el arte". "No me sorprendería nada que fuera Banksy", afirma. Mientras, Luke Egan, uno de los artistas que ha expuesto con Banksy, al principio negó conocer a Gunningham, pero más tarde reveló que compartió piso durante algún tiempo con él. Además, cuando fue preguntado si Robin era Banksy dijo: "En aquel momento no lo era".

En noviembre de 2007, el artista fue pillado 'in fraganti' por la cámara de un móvil de un transeúnte. El único dato certero que se conoce sobre su biografía es que nació en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974. A menudo se ha rumoreado con que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, y que sus padres son también artistas, aunque nadie ha conseguido confirmar dicha información.

En las Fotos: Robin Gunningham en Jamaica hace cuatro años y en 1989, cuando era estudiante en el Bristol Cathedral School.

NICK WALKER

Lo que son las cosas; navegando por la web de RAZORAPPLE, me he enterado de que las fotos que subí hace poco sobre unos stencils en Williamsburg, Brooklyn, pertenecen a una obra del genial NICK WALKER. Este jovencísimo artista britanico lleva una carrera meteórica y al igual que sus compatriotas Banksy o Adam Neate, ya ha visto sus obras en las subastas de Sotteby’s, compartiendo espacio con Picassos y Monets. En concreto, el pasado mes de Febrero una de sus piezas alcanzo los 72.000 euros en una subasta londinense.

Como el propio Nick dice: ”En 1992 comencé a combinar plantillas con mi trabajo hecho a mano y de ese modo combinar y mezclar la imaginería más fotográfica con las raíces de los estilos de graffiti más tradicionales. Las plantillas introducen un elemento de impacto en mi trabajo. La aparición de plantillas me permite tomar imágenes de otros sitios y trasladarlas y recrearlas en otras superficies. Trató también de añadir un elemento humorístico e ironía a mis pinturas para dar más alegría y relieve a lo que pinto en los muros. Pintar es una manera de escapar, de volar, y espero que quien lo vea sienta lo mismo, es lo que trato de conseguir y es por lo que pinto”.

Os adjunto la foto del graffity de Williamsburg, pero bien hecha, gracias a RFullerRD. Así como un par de muestras de los stencils de este gran artista.

MANOLO VALDES en las calles de ZARAGOZA

Diecisiete esculturas monumentales, que recrean imágenes de la historia del arte como la Dama de Elche o las Meninas de Velázquez, componen una exposición al aire libre del artista valenciano Manolo Valdés, que se puede contemplar en el paseo de Independencia de Zaragoza.

La muestra, titulada "Arte en la calle. Manolo Valdés en Zaragoza. Esculturas monumentales", ha sido organizada con motivo de la celebración de la Exposición Internacional y estará instalada en la capital aragonesa hasta el 28 de agosto.

Se trata de diecisiete grandes piezas elaboradas en hierro y bronce, cuatro de ellas moldeadas expresamente por Manolo Valdés con motivo de esta exposición, que luego viajará a otras ciudades españolas. En ella, el artista toma prestados diferentes temas de la historia del arte, como la Dama de Elche, la reina Mariana y la infanta Margarita inmortalizadas por Velázquez, o la Gran Odalisca de Ingres, para recrearlos libremente en tres dimensiones.

Según dijo la consejera de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Zaragoza, Pilar Alcober, se trata de una exposición de "gran interés cultural" que cuenta con la ventaja de que podrá ser admirada por miles de personas sin la necesidad de atravesar la "barrera" que a veces representan las puertas de los museos. Precisamente, la muestra forma parte de una nueva línea de exposiciones iniciada por la Obra Social de La Caixa con el objetivo de aproximar las creaciones de los artistas contemporáneos al público que no tiene costumbre de visitar museos y galerías de arte.

Manolo Valdés (Valencia, 1942), residente en Nueva York desde hace más de una década, es considerado como uno de los principales artistas españoles en el panorama internacional actual. En los últimos años ha moldeado obras de gran formato para ciudades como Madrid, Valencia o Biarritz, y ha realizado exposiciones de escultura monumental en varios países de América y Europa. Su obra está presente en las colecciones más prestigiosas, como el Museo Reina Sofía y la Fundación Juan March, en Madrid; la Chase Manhattan Bank Foundation de Nueva York; el Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, en París; el Kunstmuseum de Berlín, o el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, en México.

Gracias, Jesus, por las fotos!!