Friday, October 10, 2008

Una Exposición: JOSÉ PARLÁ - ADAPTATION / TRANSLATION





JOSÉ PARLÁ, artista residente en Brooklyn, inaugura hoy lo que es su primera exposición individual en Londres, en la Galería ELMS LESTERS.

Nacido en Miami (1973), sus primeros años de vida transcurrieron entre Puerto Rico y California, hasta que gano una beca para ir a estudiar arte a Georgia. Comenzó pintando en las calles bajo el seudónimo de “Ease” en 1983, pero, a la vez que pintaba en los trenes del metro, experimentaba con la idea de trasladar esa decadencia urbana a la superficie de un lienzo.

Su estilo mezcla el graffiti con influencias del expresionismo abstracto, creando un poderoso resultado de trazos vigorosos, texturas y fascinantes mezclas de color.

En la exposición “Adaptation / Translation”, Parlá explora las intrigas de los habitantes de las grandes ciudades, para traducirlas en sus propias inquietudes y mostrarlas plásticamente, siguiendo la premisa de explorar lo que se oculta bajo la superficie. Para ello realiza obras con varias capas de texto, otorgando un uso plástico a la caligrafía, como ya hicieran los cubistas, pero ahora, trasladado a un estilo mucho mas urbano. Mirar su trabajo es casi como leer los textos que solemos ver en las paredes de la calle, pero con un sentido estético expresivo impresionante.

La exposición estará abierta hasta el próximo 8 de Noviembre y, para esta ocasión, la galería ha publicado un libro, bajo el mismo nombre, que podrá ser comprado durante la muestra.

Thursday, October 9, 2008

BANKSY'S "VILLAGE PET STORE AND CHARCOAL GRILL".






Esta mañana he visto la ultima de BANKSY en la web del WOOSTER COLLECTIVE (no podia ser de otra manera!!). No me he podido resistir a postearlo… entendedme, Banksy, en Nueva York y haciendo una de sus obras más geniales…

Se trata de una tienda de mascotas en el West Village. Si… una tienda entera llena de obras animadas!! Para los que estéis por Nueva York y tengáis la oportunidad de acercaros, que sepias que esta en la 7th street, entre West 4th y Blecker Street.

Todo nace de la sorpresa de Banksy al ver que, los americanos, por lo general, muestran un mayor interés por sus mascotas que por el mundo del arte. Así que el graffitero británico ha decidido juntar ambas ideas y, como no, criticar con humor corrosivo una idea tan propia de una sociedad capitalista que a veces, se equivoca (ejem!!).

Las obras expuestas en esta tienda son “mascotas” animadas con motores, que con grandes dosis de surrealismo, nos arrancan una primera sonrisa, y un profundo Segundo pensamiento; McNuggets de pollo untándose en salsa barbacoa, barritas de pescado nadando en peceras, un conejo que se maquilla o una videocámara de vigilancia que atiende a su retoño…

Esta es la primera vez que Banksy ha usado figures animadas y, a juzgar por el video de YOUTUBE, el resultado es increíble. Nada mal para la primera exposición del genial artista en la ciudad de Nueva York. Tratare de ir y hacer fotos, aunque por lo visto, el espacio es diminuto y no caben mas de 20 personas a la vez… así que, ya me imagino que para dentro de unos días, ya Habrá colas de horas (a los norteamericanos les encanta hacer colas de horas y horas).

La exposición estará abierta hasta el día 31 de Octubre (Halloween) desde las 10 de la mañana hasta las 12 de la noche.

STICKER AWARDS 2008

A través de REBEL ART, ya hemos descubierto quienes han sido los ganadores de esta edición del concurso internacional de pegatinas organizado en Alemania. Si quereis saber mas, o ver mas imágenes de los participantes, pinchad AQUÍ.

Primer premio: THOMAS JUDISCH, con su “Prueba Gratuita”




Segundo premio: INDOCHINA y sus dibujos con cinta adhesiva.




Tercer Premio: RENALD y su kit para convertir en tiburón, cualquier cabina telefónica.

Una Exposición: JEAN DUBUFFET en la PACE WILDENSTEIN



Calificado como uno de los artistas mas enigmáticos de la segunda mitad del s.XX, JEAN DUBUFFET dio el paso a la tridimensionalidad en su trabajo, durante lo que se conoce como su periodo “Hourlope” (1962 – 1974).

Dubuffet fue un pintor tardío, que comenzó su carrera artística a la edad de 41 años, pero que no paró de evolucionar y de buscar la expansión de sus diferentes líneas de trabajo. A la edad de 61 años, comenzó a trasladas sus pinturas bidimensionales a las tres dimensiones, con intención de otorgar corporalidad a un trabajo ya de por si sólido y denso. Esta incursión en el volumen es lo que se conoce como el periodo ‘Hourloupe” y es el tema central de la exposición que ahora se puede ver en la famosa Galeria PACE WILDENSTEIN de Nueva York, hasta el 8 de Noviembre.


Estas esculturas o “dibujos que se expanden en el espacio”, que es como el mismo quería que fueran conocidas, se caracterizan por el uso de tan solo cuatro colores: rojo, blanco, negro y azul. Reflejan el interés de Dubuffet por la arquitectura y también, por la idea de crear obras que pudieran estar a pie de calle y así, servir de comentario a los paseantes; sin duda una autentica idea precedente del street art.

Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París), estudió pintura en la Académie Julian, pero lo dejó 6 meses después, para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo definitivamente en 1942.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Dubuffet pretendía crear un arte totalmente libre de las preocupaciones intelectuales y algunas veces, su obra parece primitiva o infantil.

Foto: WALLYG

Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando lienzos reforzados con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole una inusual superficie cargada de textura, para aquellos años. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, los cuales pintaba con vinílico.

Nota: Las imagenes no corresponden con las obras expuestas en esta exposicion, pero son obras similares pertenecientes al mismo periodo creativo de Dubuffet.

Una Exposición: RENE GAGNON





La Galeria DeBLOIS, en Newport (Rhode Island), expone estos días y hasta el 28 de Octubre una exposición conjunta con trabajos en cristal de David y Jennifer Clancy y RENE GAGNON. El porque han decidido juntar la obra de tan diferentes artistas, no lo se. Pero lo que si es verdad es que hacia mucho tiempo que Gagnon no mostraba trabajos nuevos y sinceramente, me he alegrado al ver que sigue con la calidad de siempre.

Gagnon, afamado artista del stencil, ha incorporado ahora iconos Pop a su nueva línea de trabajo. Siguiendo en esa línea que se mueve entre el graffiti y el expresionismo abstracto, sus poderosas obras se llenan ahora de trama y salpicaduras. La inclusión de letras y palabras en sus lienzos sirven de marco a imágenes duras, que se mezclan con clichés de la era pop.

Tuesday, October 7, 2008

Una Exposicion: D*FACE – aPOPcalypse NOW






La galería BLACK RAT PRESS de Londres presenta una exposición muy especial con el Nuevo trabajo del polémico D*FACE.

"aPOPcalypse" NOW, que así se llama la muestra, no solo es especial por presentar un cambio de rumbo en el trabajo de este famoso artista, sino por la manera en que está concebida. Una exposición realizada en dos fases y con un prefacio.

La fase preliminar de la muestra comenzó con la colocación de cinco “sprays” de pintura, realizados en cemento y de casi dos metros de alto y una tonelada de peso, en varios puntos de la capital británica.

La primera fase de la exposición tuvo lugar el día 2 de Octubre, en el que se mostraron varias piezas, que solo estuvieron instaladas durante ese día. Además, D*Face y la Black Rat Press, pusieron a la venta una serigrafía de 17 tintas, que solo estuvo a la venta ese 2 de Octubre.

La segunda fase, el grueso de la exposición, esta abierto hasta el próximo 2 de Noviembre y esta si, nos muestra el nuevo camino tomado por D*Face. Por supuesto, sigue sirviéndose de una iconografía puramente americana, para criticar ferozmente el capitalismo. La línea ideológica de su trabajo sigue ahí. Pero ahora, su estética es mas pop “de libro” y menos callejera.

Muchos son los que se quejan de cómo D*Face se ha vendido al mercado del arte y al circuito de galerías y museos, al mismo tiempo que critica dichos métodos. Quizás tengan razón, pero a mi me sigue pareciendo un gran artista.

Un Artista: WAYNE MARTIN BLEGER





WAYNE MARTIN BLEGER es un artista que ha llevado el mundo de la fotografía a un nuevo nivel. Y es que su obra, no solo reside en la imagines que crea, sino también en las cámaras que construye para tales efectos.

Partiendo de la idea de la cámara estenopeica, Bleger crea artefactos con materiales tan inusuales como cuernos de ciervo, trozos de una de las torres del World Trade Center, biblias, toras, coranes o calaveras.

Cada cámara tiene un nombre y una función, que depende directamente del material o materiales utilizados a la hora de su creación, haciendo que el acto de fotografiar se convierta en algo tremendamente espiritual. Su cámara mas famosa y/o polémica es la llamada “Third Eye” (Tercer ojo), ya que esta construida con el cráneo de una niña de 13 anos, que vivió hace 150 años.

Esta cámara esta diseñada para “estudiar la belleza de la decadencia”, según el propio Bleger. Para su construcción, usó aluminio, titanio, latón, plata, piedras preciosas y la calavera. Lo mejor de todo es que las fotografías que realiza con esta o cualquier otra cámara, son realmente interesantes. Siempre con el toque oscuro y macabro que le caracteriza, pero desde luego, con gran calidad.

Wayne M. Bleger nació en Pasadera (California) en 1964 y desde pequeño, estuvo expuesto a un ambiente católico muy conservador; misas en latín, boato católico… todo eso se quedo grabado en la cabeza de este fotógrafo con un sentido de admiración y a la vez, de intriga por algo que no llegaba a entender, pero que le fascinaba.

Su particular manera de entender la fotografía le ha llevado a participar en exposiciones por medio mundo, así como a ser mencionado en algunas de las revistas mas prestigiosas del mundo del arte.

Monday, October 6, 2008

Una Exposición: TV BOY





Bajo el titulo Melting Pop, la GALERIA SAFIA de Barcelona, presenta hasta el próximo 31 de Octubre una exhibición de la obra de TV BOY.

El mundo creativo del artista TV BOY oscila de forma equilibrada entre el graffiti, el diseño y las obras pictóricas que, sobre tela o papel, configuran sus exposiciones. Su trabajo, sorprendente y provocativo, ha creado unos personajes de apariencia infantil e inocente, protagonistas de escenas y situaciones de carga irónica y mordaz, pero no por ello exentas de ternura.

Son ideas frescas y llenas de fantasía, donde encontramos influencias de las tradicionales tiras del cómic occidental, de Schultz por ejemplo, con algunos trazos estéticos de la cultura ilustrativa japonesa, tan extendida actualmente en nuestro mercado.

TV BOY utiliza símbolos antropológicos y arquetipos religiosos: cruces, aureolas, calaveras, el ojo divino, inscrito en diferentes civilizaciones, coronas... todos ellos iconos que ponen de manifiesto su conocimiento de las raíces culturales del mundo clásico.

Tv Boy, Toto o Salva nació en Palermo en 1980 y ya se ha convertido en uno de los referentes italianos a nivel mundial en cuestión de ilustración y street-art. De nombre Salvatore Benintende, este joven grafista ha trabajado como freelance para compañías como Hp, Telecom o Ipod y ha publicado su obra en revistas de todo el mundo. A pesar de todo, su pasión sigue siendo la misma de siempre: el arte en la calle.

Es en ella en la que ha desarrollado su personaje mas celebre, el niño de cabeza gigante llamado TvBoy, al que acompaña en sus aventuras su perro Nico.

Una Exposición: AIKO NAKAGAWA






La galería BROKLYNITE abrió sus puertas hace tan solo unos meses, pero ya se ha convertido en un referente del Street Art newyorkino. Su exiito se debe, sin duda, a la calidad de los artistas que representa y expone; amen de las fabulosas fiestas con las que inauguran cada exposición!.

Esta vez se trata de la primera exposición individual de Aiko Nakagawa. Esta japonesa afincada en Brooklyn presenta bajo el titulo “Shut up and Look” (Calla y mira), una Buena colección de obras que mezclan el stencil con el collage.

Aiko es miembro fundador del colectivo FAILE, uno de los mas conocidos en la escena urbana a nivel mundial. Pero ahora, nos muestra su lado mas femenino con seductores trabajos que recogen influencias de la cultura pop Americana y japonesa.

Esta exposición estará abierta hasta el próximo 11 de Octubre, así que hay que darse prisa y no perdérsela, porque merece la pena.

Sunday, October 5, 2008

Un Artista: BLU






Desde Bolonia (Italia) el trabajo de BLU se ha expandido por todo el planeta. Sus imágenes de monstruos y figures humanas de gigantescas proporciones han aparecido en los muros de medio mundo. Su estilo es muy cercano al comic, en el que el dibujo es primordial. Incluso, él mismo afirma que usa la pintura para simplemente, rellenar los dibujos.

Blu ve en las paredes de los edificios, enormes hojas de papel en las que poder realizar sus dibujos; por lo general, sin bocetos previos. Hay veces incluso, que parece que el edificio se le queda pequeño.

Entre sus influencias se incluyen personajes fundamentales de la escena del comic underground como Robert Crumb, pero combinado con una enorme fascinación por los muralistas al fresco italianos. Otro artista que ha dejado una huella enorme en la obra de Blu es el americano Gordon Matta-Clark, del cual, trata de aprender el concepto de edificio como escultura.

Para mas información sobre este artista, podéis visitad su pagina web AQUÍ. Por cierto, no os perdáis sus increíbles animaciones, hechas con pinturas murales, fotograma a fotograma.

Una Exposición: ROBERT INDIANA






La Galería PAUL KASMIN de Nueva York, ha preparado una interesante exposición sobre la obra de Robert Indiana, para celebrar el 80 cumpleaños del artista. Bajo el titulo de “Hard Edge”, la muestra agrupa varias de las famosas piezas de metal, de gran escala, como son “Electric Eat”, “Love”, “Art” y la serie autobiográfica (?) de números.

Indiana, figura clave del arte de posguerra Americano, recupera los temas de sus obras de sus experiencias infantiles en las autopistas o en las grandes fabricas. Su producción le ha convertido en un autentico pionero en el uso de los motivos visuales – verbales, así como en el formalismo riguroso. Las permutaciones de su iconografía en pintura, escultura y grabado son reconocibles a nivel mundial de forma instantánea.

Para cada composición, Indiana trabaja en las diferentes etapas de su “creación icnográfica” comenzando con dibujos de la pieza a realizar, para luego traducir esa bidimensionalidad en voluptuosas y coloristas esculturas. Las líneas limpias, las curvas de carácter caligráfico y el rigor geométrico de sus obras, conecta su producción con su herencia cultural del modernismo americano, sobretodo con la obra de Charles Demuth y Marsden Hartley.

Nacido Robert Clark (New Castle, Indiana el 13 de septiembre de 1928), pero más conocido como Robert Indiana, esta considerado como uno de los grandes pilares del pop norteamericano. Sobretodo, desde que, en los 60, se rodeara de los otros grandes (Warhol, Linchestein) haciendo colaboraciones y sobretodo, comenzando con sus series “Love”, que le catapultaron a la fama mundial. Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.

La exposición estará abierta hasta el próximo 1 de Noviembre.

Saturday, October 4, 2008

Una Exposicion: GILBERT & GEORGE en el Museo de Brooklyn





El MUSEO DE BROOKYN es el lugar final de un viaje internacional de la primera retrospectiva en más de veinte años, de los artistas Gilbert y George.

La muestra, abierta hasta el 11 de enero de 2009, abarca de más de noventa cuadros producidos desde 1970.

Gilbert y George se encontraron en 1967 mientras estudiaban en la escuela de arte de San Martín, en Londres. Comenzaron a crear juntos, desarrollando un estilo único y muy reconocible en sus cuadros, así como en las representaciones de sí mismos como esculturas vivas. La mayoría de sus obras se crean en grupos y se hacen especialmente para el espacio en el cual se van a exhibir.

La característica principal de su producción es sin duda, el llevar una línea políticamente incorrecta, pero últimamente, lo suficientemente bajada de tono como para que puedan legar a todo el mundo. A mediados de los ochenta utilizaban imágenes de excrementos, y desnudos a la edad de los cincuenta años…

Thursday, October 2, 2008

EXPERIMENTADESIGN 2008




Después de 4 ediciones en su Lisboa nativa, la EXPERIMENTADESIGN (Bienal internacional dedicado al diseño, arquitectura y cultura contemporánea) ha sido organizada en Amsterdam. De hecho, a partir de ahora, ExperimentaDesign ocurrirá en años de alternancia entre Lisboa y Amsterdam, con diferentes programas.

En este 2008, Amsterdam ha elegido el tema “diseño para el paisaje urbano” y esta teniendo lugar ahora, y hasta el 2 de Noviembre.

Como en las ediciones anteriores, ExperimentaDesign Amsterdam 2008 procura fijar el pulso de la ciudad a base de exposiciones, intervenciones urbanas, conferencias y debates.

Dentro de este evento, cabe destacar el Urban Play, una exposición que ofrece una visión global de las intervenciones urbanas realizadas fuera de los canales formales de las instituciones, donde la expresión creativa de algunos ciudadanos se convierte en algo tangible, transformando así las ciudades. 19 artistas han sido elegidos este año para esta exposicion; entre ellos, The Graffiti Research Lab, Ji Lee, Mark Jenkins, OSA, Rebar, Spy, Truthtag...

La intervenciones urbanas han sido todo un éxito, ya que los artistas han sabido demostrar buenas y profundas ideas y combinarlas con grandes dosis de humor, cosa que hace mucha falta en este mundo. Como ejemplo, la obra de STEFAN SAGMEISTER, que realizó un dibujo con casi 300.000 monedas de céntimo de euro en una plaza de 20 x 42 m2. La idea fue crear dibujos tipográficos y florales que desafiaban la codicia de los transeúntes, ya que tenían que enfrentarse al dilema de conservar la belleza de la instalación o directamente quedarse con las monedas y destruirla. Al final, la policía decidió barrer la pieza y llevársela, para preservar su valor monetario. Así que, paradójicamente, para conservarla hubo que destruirla.




A mi, personalmente, la intervención que mas me ha gustado, de todas las que he visto, ha sido la de NL ARCHITECTS llamada Moving Forest y que consistió en plantar un montón de árboles en carritos de supermercado. Así, estos contemporáneos y móviles bosques, se pueden desplazan a gusto de los ciudadanos, para llevarlos a lugares donde se necesitaba un poco de color y aire puro.




Vía FLORES EN EL ATICO.

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